Cronología del arte y la escultura de la antigua Grecia

La escultura griega antigua ha seguido fascinando a lo largo del Imperio Romano, el Renacimiento, el Grand Tour y el público moderno actual. Numerosas copias posteriores de originales griegos antiguos permanecen en museos de todo el mundo, atrayendo a millones de espectadores. Estas esculturas se han convertido en símbolos de la sociedad occidental, el intelectualismo y la historia. A continuación se detalla la cronología de la escultura griega antigua a través del tiempo, las guerras y los cambios de liderazgo.

Periodo Arcaico, ca. 800-480 a. C.

Tras la Edad Oscura griega, el Período Arcaico se caracteriza por una mayor interacción con Egipto y las regiones del Cercano Oriente. Históricamente hablando, este período se caracterizó por una mayor exposición de varias ciudades-estado autónomas y grupos culturales y, por lo tanto, un aumento del comercio y la influencia.

Este cambio cultural se manifestó en dos tipos principales de esculturas monumentales griegas. El primero de ellos es el hombre desnudo erguido, conocido como kouros o en plural kouroi, que significa “joven” o “niño”. Los kouroi eran estatuas exentas que representaban a hombres jóvenes casi naturalistas. A menudo se utilizaban como lápidas para conmemorar la muerte de hombres jóvenes o como trofeos en los juegos.

Los kouroi eran conocidos por su postura corporal rígida y su forma corporal idealizada. Se mantenían erguidos y frontales con hombros anchos, caderas estrechas, piernas juntas y brazos a menudo a los costados. También tenían la arquetípica “sonrisa kouros”, caracterizada por una expresión inexpresiva y una boca ligeramente curvada hacia arriba a los lados.

Los primeros kouroi encarnaban el estilo artístico egipcio de muchas maneras, y representaban las características más geométricas y rígidas que se ven comúnmente en la escultura del antiguo Egipto. Sin embargo, con el paso del tiempo, los kouros griegos evolucionaron hacia una figura más naturalista y clásica, con bordes más suaves y una figura más llena. Además, a diferencia de sus contrapartes egipcias, los kouroi griegos no tenían un significado religioso y aparecían desnudos en lugar de vestidos.

El segundo tipo de escultura griega del periodo arcaico era la versión femenina del kouros, el kore o en plural korai. Al igual que los kouroi, los korai son estatuas erguidas con cuerpos rígidos, caderas estrechas y rostros inexpresivos. Sin embargo, a diferencia de los kouroi, los kore están cubiertos, adornados con joyas, un vestido y, a veces, una corona o un tocado. También sostienen frutas u otros símbolos de la fertilidad femenina frente a ellos.

Período Clásico, ca. 500-323 a.C.

El período clásico en la antigua Grecia vio el fin de la aristocracia, la disolución de la tiranía ateniense en el 510 a. C. y, más tarde, la introducción de la democracia ateniense. Comenzó con las guerras médicas en el siglo V a. C. y terminó con la muerte de Alejandro Magno en el siglo III a. C. Aunque fue una época de conflictos, el intelectualismo y la creatividad del período clásico produjeron una plétora de obras de arte memorables e incluso se ha considerado una “edad de oro”.

La escultura griega clásica incorporó tipos de figuras y poses corporales más diversos, así como un marcado aumento de la destreza técnica, lo que dio como resultado esculturas mucho más naturalistas y realistas en comparación con sus predecesoras arcaicas. También se destacó como el primer período en el que se representaban individuos en esculturas en lugar del arquetipo del “joven varón” como el kouroi del período arcaico.

Las estatuas se utilizaban como material de estudio de la anatomía, a menudo representadas en movimiento con la musculatura extendida. El contrapposto clásico, o la posición corporal curvada, también se introdujo durante este período. Esto se ha visto especialmente en el Niño Critio (480 a. C.), que está de pie con un ligero desplazamiento del peso hacia un lado y la cadera sobresaliendo. El contrapposto se convirtió posteriormente en una de las poses corporales clásicas más emblemáticas utilizadas en las representaciones artísticas del cuerpo.

El período clásico también se caracterizó por un aumento de la finalidad de las esculturas; las estatuas decoraron edificios como el Partenón y el Erecteión en la Acrópolis de Atenas, así como edificios de las antiguas ciudades griegas de Olimpia y Delfos. Esto incluía no solo esculturas votivas exentas como La Atenea Partenos (447 a. C.) o El auriga de Delfos (ca. 478 a. C.), sino también la decoración de frontones y frisos, como el Friso del Partenón (ca. 440 a. C.), que ahora se exhibe en el Museo Británico.

El reconocimiento artístico también creció durante el período Clásico. Mientras que las piezas del período Arcaico se centraban en la conmemoración y la uniformidad, la individualidad de los temas del período Clásico hizo que el estilo artístico fuera más definitivo. Escultores como Fidias, Praxíteles, Critios, Lisipo, Mirón y otros comenzaron a ganar reconocimiento por su trabajo durante el período Clásico.

Algunos de los ejemplos más famosos de la escultura del Período Clásico son la Afrodita de Cnido (ca. 350 a. C.), Discóbolo (460-50 a. C.), el Bronce de Artemisia (ca. 460 a. C.) y Zeus en Olimpia (ca. 435 a. C.).

Período helenístico, ca. 323-31 a. C.

El período helenístico comenzó tras la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. y finalizó con la conquista romana de Grecia en el 146 a. C. Se lo ha considerado como una continuación, un refinamiento y una expansión de la influencia griega o helenística en el mundo mediterráneo después de Alejandro Magno. Este período contó con un grupo de personas geográfica y culturalmente diverso bajo el paraguas del helenismo, lo que dio lugar a una considerable variación artística.

La escultura del período helenístico se caracteriza por un marcado aumento de la expresividad con respecto a la escultura clásica. Muchos temas artísticos aparecen significativamente más dramatizados que antes y, por primera vez, aparecen expresiones faciales emotivas en la escultura monumental. Mientras que los períodos arcaico y clásico se centraban en sujetos y figuras idealizadas, el helenístico adoptó temas adversos como el sufrimiento, la vejez y la muerte. Los artistas ya no se aferraban al ideal de la perfección física y exploraban otras vías artísticas.

La escultura griega antigua siguió ganando variedad en cuanto a temas. Los artistas comenzaron a retratar personas y situaciones que iban más allá de la naturaleza votiva o conmemorativa. El retrato helenístico exploró el mundo de Dionisio en esculturas monumentales, algo que no se había hecho antes. Se representaban sátiros, ménades, faunos y otras criaturas míticas, a veces incluso de forma cómica o irónica. Estos temas poco ortodoxos representaban a una población helenística postalejandrina más diversa.

El período helenístico también fue testigo de una creciente fascinación por la anatomía y el detalle. Se crearon esculturas monumentales que reflejaban con gran detalle el sistema muscular humano. En lugar de las poses más rígidas y erguidas del período clásico, las esculturas helenísticas a menudo parecían estar en movimiento o en posiciones que acentuaban los detalles del cuerpo.

La misma atención precisa al detalle se aplicó al esculpir detalles como el cabello o la ropa, que han seguido cautivando a los espectadores hasta la era moderna. El más famoso de ellos es el detalle de la “vestimenta mojada”, que tenía como objetivo acentuar los rasgos corporales de quien la llevaba.

Otro cambio notable en el período helenístico del arte griego fue la privatización del arte y la escultura. La centralización del gobierno en esa época condujo a una estratificación más estricta de las clases sociales. Los grupos más ricos podían permitirse comprar esculturas para sus hogares privados. Esto podría haber explicado la mayor variación dentro de la escultura monumental, ya que es probable que algunas esculturas se encargaran para el placer doméstico.

Recepciones modernas

El Renacimiento europeo fue testigo de una revitalización importante de la antigua cultura grecorromana en el siglo XV d. C. Tras el aumento de la religiosidad del período medieval, el Renacimiento supuso un renacimiento del intelectualismo clásico, lo que estimuló un rejuvenecimiento masivo del arte de estilo grecorromano antiguo.

Una de las principales vías para el renacimiento clásico fue la escultura de estilo monumental. Numerosos escultores renacentistas forjaron la escultura clásica y helenística como un retorno a la “alta cultura” de la antigua Grecia y Roma. El David de Miguel Ángel (1501-04 d. C.) mide 5,2 metros de alto y pesa más de 5.500 kilos. Es una de las esculturas más famosas del período renacentista. Realizada en mármol blanco y tallada a partir de un solo bloque, la figura apolínea se yergue en un contrapposto de estilo clásico con una mano hacia la barbilla.

Uno de los conceptos erróneos más comunes en la actualidad sobre la escultura griega antigua es que estaba destinada a ser contemplada en su icónico mármol blanco. A pesar del icónico mármol blanco que ha llegado a caracterizar a la escultura clásica, la escultura monumental grecorromana antigua en realidad estaba pintada en una variedad de tonos coloridos que se desvanecían con el tiempo.

La reiteración de la escultura de estilo grecorromano antiguo ha seguido siendo importante en el mundo moderno como símbolo de estatus e intelectualismo. Se pueden encontrar estatuas de estilo clásico en los jardines o propiedades de los palacios, como el jardín del Palacio de Versalles. Desde el cine hasta las artes visuales y la arquitectura, la escultura grecorromana antigua sigue siendo importante en la cultura contemporánea.